Análisis Nº11 - Det Sjunde Inseglet (1957)

Film del sueco Ingmar Bergman. Según el mismo, el film trata sobre la muerte o mejor dicho, le miedo a la muerte y lo subsiguiente. La idea de "¿Existe Dios o no?" enunciada como pregunta nunca tendrá respuesta. Lo importante del film son las posiciones (más abismadas unas que otras) sobre el concepto de lo que es vivir y morir.

Aspecto Formal

La secuencia en cuestión presenta a la caravana donde viajan Jöns, Jof y Mia, la chica, Plog y algun escolta (junto a Antonious Block, bah... creo). Plog se reencuentra con Lisa (ahora autollamada Kunigunda) que se haya en las manos del actor Jonas Skat.
La escena tiene tres tramos diferenciados bajo el mismo eje (dar muerte):
1. Persecución: Plog persigue a Jonas Skat y luego se da una confrontación verbal cómica.
2. Actuación: Jonas Skat decide, para concluir con la lucha, de actuar su propia muerte y así desembarazarse del herrero Plog.
3. Consecuencia: Jonas Skat muere, victima de un error, al subirse a un árbol que caera. Aquí se da una segunda escena que busca ser graciosa pero es sumamente terrorífica.
La secuencia tiene como protagonista a Plog, el resto de los personajes, de una u otra manera acompañar a su situacion. Lisa (Kunigunda) cambia de bando y acompaña (por conveniencia) a Plog, Jöns da letra en la confrontación verbal y anticipa proféticamente todo y Jof es una suerte de espectador que descubre y evidencia la trampa (como también así nosotros).
Plog terminará diciendo que la vida es una locura / asco en referencia a la muerte de una persona por culpa de él.
La última parte la Muerte se encarga de matar al actor Jonas Skat (quien en su primera aparición llevaba una mascara de la muerte). La secuencia posee un tono patético que nos subyuga porque hemos caido en la trampa del director: dejarnos llevar emocionalmente complacidos por una escena de alcohoba y persecución de marido despechado (cómica) para caer en una clarificación desgarradora del destino de un bribón donde la muerte da parte sin la preparación ni espectativa del personaje. Jonas Skat muere frente a nuestros ojos sorprendidos como los nuestros.


Montaje / Composición de Planos

La secuencia abre los planos y cierra según avanza y desarrolla el conflicto:
1. Planos en Paneo en su inicio y luego un Plano fijo con desarrollo interno dando protagonismo a Plog.
2. Planos enteros en la persecución y en el momento del encuentro Planos pecho en Plano y Contraplano confrontativo.
3. Plano entero dispersador del conflicto y luego planos americanos de frente diferenciando bandos sin tener carácter confrontativo.
4. Los planos de Jonas Skat y la muerte renuevan la posicion de Plano pecho confrontado en un arriba y abajo. En este punto un elemento de interes: no se da el plano y contraplano confrontativo hasta que Jonas Skat es consciente de que alguien esta cortando el árbol, este mira y en un primer momento no encuentra rechazo a la situación.

Sonido / Música

Hay 3 elementos sonoros con valor narrativo:
1. El Grito Negado: hondo, angustiante; la negación de la voz en su último hálito, la negación de la vida.
2. Puntuación musical final: una ironía de la vida. Sumamente incomodo. La ironía está en la muerte de un ser que entiende de su propia muerte y el animal (ardilla) que se posa en el árbol talado desonocedor de las ideas y conceptos de vida y muerte. Esto hace más inentendible el dolor.
3. La canción del pajarillo ..."Yo soy un pajarito que vuela a donde quiere libremente" ironía nuevamente, reforzando la idea anterior. Pajaro = animal / Humano negado, libre de morir.

Próxima Película - THIS IS SPINAL TAP de Rob Reiner

Análisis Nº10 - Walkabout (1971)

Secuencia independiente (relativamente) de Walkabout de Nicolas Roeg. Film bastante experimental, se podria decir que esta encuadrada en el género de Road Movie, pero me parece que supera esta estructura y se llega a un film de tintes existenciales donde el mismo dialoga consigo mismo de manera aleatoria. Excelente film, único.

ASPECTO FORMAL
La secuencia en cuestión viene a construir, casi fuera del film, el tema del mismo: la perdida de la infancia y la entrada al mundo adulto (el propio, el experimentado en el cuerpo). 3 personajes, La Chica, el chico y el cazador Gulpilil; cada uno, a su manera inciara su construcción adulta.
La escena nos muestra el deseo (en un comienzo limitado y luego iniciado) del Chico, la entrega (sexual y corporal de la mujer en su adultez) y la confirmación (de la adultez de Gulpilil).
INTRO: La chica se baña desnuda y la observa el niño, imposibilitado del mundo sexual por ahora. Comenzará el proceso de maduración como Gulpilil.
PARTE 1: Montaje Alternado para remarcar las asociaciones y contrastes de los deseos de los personajes. Gulpilil caza un pescado, la chica se baña (asociacion sexual, fuerza del hombre, belleza y gracia de la mujer). Gulpilil casa un ave, el niño falla (asociación por parentezco, Gulpilil le enseñará al chico).
PASAJE: la chica se baña largamente
PARTE 2: Gulpili realiza toma de fruta, caza de murcielago, lagarto y canguro, hace un fuego, etc. Por otro lado La Chica nos enseña su sexo y la sexualidad queda completamente plasmada. La relacion de planos es única y por lo tanto es una parte de la secuencia sumamente clara que profundiza el tema.
PARTE 3: La chica se viste, se observa en el propio reflejo, es dueña de su imagen (no como al comienzo que era construida por el chico). El chico a su vez escarba en el barro junto a Gulpili reforzando su entrada en el mundo de la magia y el misterio (sexual).
FINAL: el lagarto simbolo de la carne/sexualidad/animalidad/adultez.

MONTAJE
PRIMERA PARTE: Plano Ascendente donde se construye a la chica objeto y sujeto al chico (su vision). Plano fijo reforzando esta subordinación. Los planos abiertos de Gulpili le dan el carácter de sujeto actante y los planos cerrados de Chica y Chico subordinación a la acción de Gulpili y el valor de lo que hace influye (en un tono sexual y en un tono de iniciación).
SEGUNDA PARTE: los planos se cierran tanto para Gulpili como la chica. Se alternan el Objeto y el Sujeto. Dado que toman valores intercambiables (sexo - comida / fuego - espera sexual). Ambos tienen valores activos y pasivos porque es un montaje amatorio.
TERCERA PARTE: plano ascendente de la chica, se construye y se rencuentra a si misma. Pierda carácter de objeto y se entroniza como puro sujeto. Control sobre si mismo y la situacion. Por otro lado un plano abierto para Gulpili y el chico, ambos en el mismo tono de aprendizaje (tampoco hay subordinación).
FINAL: el plano travelling en retroceso del lagarto, catalizador del concepto de sensualidad/sexualidad y realización misteriosa y erótica de la secuencia. Lo refuerza.

SONIDO
La música tiene una serie de valores como la tranquilidad, la amabilidad, lo hermoso, lo parsimonioso. Está conformado por violines, algunos instrumentos de percusión y no mucho más. Tal vez algun sintetizador. La intención es obligar al espectador a estacionar todo a un contexto fuera de la acciones que se ven para trascenderlo a un valor más abstracto como el simbolo del lagarto. Lagarto y música se van recargando de valores por la reiterción de la asociación de sexo, caza y aprendizaje.
La estructura es tan constante que la celula de la canción tán solo tiene A, A', A'' en la primera, segunda y tercera parte. Esa constancia permite la absorción obligatoria y hipnótica de la idea.
En materia de sonido, están reforzados los que se relacionan con los personajes y sus conflictos:
rayo: magia / Golpes: caza de Gulpilil / Agua: chica / Lagarto: sexualidad.


Próxima Pelicula - DET SJUNDE INSEGLET - Ingmar Bergman

Análisis Nº9 - Lat Sau San Taam (Hard Boiled)

Bueno... despues de varios meses termino la otra pelicula de John Woo. Parecida a la anterior, con variantes o profundizaciones estéticas en las secuencias de acción. Se sigue la formula del protagonismo dual de dos personajes positivos en ambos bandos de la ley y el crimen.

ASPECTO FORMAL

La secuencia en cuestión tiene una infinidad de elementos a desarrollar. Me centrare únicamente en las 3 escenas que confieren un mismo tema.
Escena 1 - La Perdida de la Inocencia: el Inspector "Tequila" Yuen acaba de encontrar un bebe. Le pone unos algodones para que no oiga los disparos y lo acobija bajo su brazo. La intención de "Tequila" es evitar al bebe el contacto con la maldad. Progresivamente Tequila se enfrenta a los sicarios del mafioso, toda la escena de balacera se centra en el elemento simbólico de la sangre. "Tequila" quiere evitar la perdida de la sangre del niño y por ello, como contrapartida, provoca la perdida de sangre de los maleantes. Progresivamente la sangre se acerca al Inspector y al bebe: primero sangre tras el vidrio, luego traspasado el vidrio, hasta llegar a recibir un disparo y manchar al niño con la sangre. La idea de manchar está tomada como un lazo de contención, de amistad, de protección.
Escena 2 - La Perdida de la Maldad: Tony, el policia encubierto, se enfrenta al sicario Tuerto, gran Killer durante todo el film. El cambio, como en la anterior escena, es la unión. Separados por bandos, ambos tienen un mismo ideal: los civiles quedan fuera de la contienda. Por ella detienen la balacera. Gran resolucion DINÁMICA entre escena anterior (acción) con esta (inacción). El Tuerto se enfrenta a su jefe, negando el estilo de vida a cualquier precio y es asesinado.
Hay un paralelismo aqui: Tequila recibe un tiro para proteger al bebe y el Jefe Mafioso recibe un tiro por no proteger a los enfermos. Es un espejo deformado que concluye con la muerte ciertamente patética del Tuerto y la huida de To ny del campo de batalla.
Escena 3 - La Retribución del Inocente: Luego de la tensión por el uso de la bomba. Tequila debe huir con el bebe. Toma un cable y quiere saltar por una ventana. Sus pantalones se prenden fuego y el bebe se orina y apaga el pequeño incendio. Con esta resolución se reafirma la idea de la perdida de la inocencia; el bebe es conciente, de alguna manera (fantástica, humorista o introspectiva) que debe ayudar a su protector frente al caos reinante. Tiene un carácter de comic relef luego de dos escenas muy emocionalmente densas, que daran camino a la secuenci final de sacrificio de Tony. Concluye asi toda la secuencia de transformación de los personajes frente al sacrificio de los inocentes o para el inocente.

MONTAJE

Slow Motion y Velocidad (sin caer en Fast Motion); una coreografia de lento y rápido en la balacera. En la toma de decisiones, huidas, explosiones; todo con el fin de aumentar el impacto visual o emocional. Ciertos encuadres congelan la dinámica para centrar la atención las transformaciones de los conflictos internos de los personajes, planos cerrados de las miradas, gritos o dialogos de "Tequila" con Tony. El resto es un aquelarre bien orquestado de acción, tiros y explosiones.

SONIDO

Más allá de las puntuaciones musicales de suspenso por las bombas o la huida de "Tequila" con el bebe en el incendio. Junto con la musica incidental de flautas e instrumentos sintétizados para darle carácter infantil a la escena del bebe, produciendo una anempatía con el espacio y reforzando el especio de protección del brazo de "Tequila".
Fuera de ello la banda sonora se ma neja con un espacio constantemente en estado aletargado de bullicio destructivo. Se afianza y se minimiza con la música y los diálogos. Este aplanamiento del mundo permite centrar más la historia en una coreografía dramática y en un conflicto interno de "Tequila" principalmente. O sea, menos es más.

Próxima Pelicula - WALKABOUT de Nicolas Roeg

Análisis Nº8 - Dip Huet Seung Hung (The Killer)

Pelicula de Hong Kong, de director John Woo. Siento que este tipo de cine, accion, mafias orientales, etc, no es mi fuerte. Tampoco he disfrutado mucho del film. Asi que el análisis será más que formal.

ASPECTO FORMAL

En la secuencia se trabaja la idea homoerótica entre Ah Jong (Chow Yun Fat) y Li Ying (Danny Lee). De fondo quedan los personajes de Jennie, la novia ciega de Ah Jong y el compañero de Li Ying.

Primera parte: escena romántica bastante previsible de Jong con Jennie que hablan del mar como escapatoria.

Segunda parte: el encuentro. Sumamente amatorio. Donde ambos personajes se miden con sus pistolas y la tensión entre ambos estan buscada. El resto de la escena es un slap stick suave y continuo. Coreografia entre los contricantes, ayudados y perjudicados por sus respectivos aliados.

Tecera parte: la persecución. Corta. Da el punto con una pequeña alegoría de Li Ying con las palomas (angel protector). Y Ah Jong en una postura más fantasmal.

MONTAJE

La primera parte va y viene en fundidos suaves dado el tenor romántico de la escena. La segunda parte una variacion entre Planos enteros contenedores de los 3 personajes, a planos cerrados del enfrentamiento más emocional que físico entre ambos. Acompañados por algun travelling para resolver movimientos entre si sin perjudicar el equilibrio de fuerzas. El resto alternancia de planos de dos acciones, la persecucion entre ellos y la maniobra del compañero.

SONIDO

El sonido no tiene un gran trabajo esta vez. Hay 3 músicas. Las 3 resaltan el carácter de la secuencia. La primera es de corte romántico, simple y llano. La segunda tambien es de corte romántico que evidencia el contenido homoerótico de la secuencia. La tercera es empática con la persecución y el peligro del asesino serial.

Pd: la verdad que este tipo de peliculas no me movilizan para trabajarlas en profundidad. Sé que en el film hay una conección entre ambos personajes entre los elemenos parecidos y contrarios. Redención y sentido de la justicia, etc, etc. Pero la verdad se sientan muy vacíos de sentido profundo. El alarde de la violencia y las secuencias de acción es lo más elogiable del film. Y para mi, lo menos interesante. Encima me queda una más...

Próxima Película - LAT SAU SAN TAAN (Hard Boiled) de John Woo

Análisis Nº7 - A Night to Remember (1958)

Film sobre el Titanic de Roy Baker. Del género de catástrofe y recreación de época. En esta pelicula el punto de vista esta diversificado, es protagonista es el conjunto de personajes de distinta clase social y sexo. Todos se avienen a una igualación frente al siniestro.

ASPECTO FORMAL
Se construye la secuencia desde el ASCENSO de las personas a la punta del bote hasta la CAÍDA de los mismos con el hundimiento del Titanic. Está estructurado en 4 partes, cortadas por deterioros del barco: primero se corta la luz, luego se hunde, luego cae la chimenea y se hunde del todo. El estado desesperante de la secuencia muestra un grado de agresividad en la superviviencia que deviene en un escape del barco transformado en asesino. Desde los ascenso en escalada hasta la superposicion de caidas al agua se muestra en un tour de force emotivo la transformación. La transformacion estará en detener la violencia y el daño en el progimo y tomar una postura de redención o sacrificio con la consiguiente caida al agua.

MONTAJE
Como hay aqui un tema principal y una serie de tramas secundarias. La perspectiva de los personajes se entrecruzan constantemente. Los planos son concisos y puntuales. Personajes con 1 unico trazo que se presentan y ceden el lugar al siguiente. Los planos en travelling o zoom in serán para el canto donde todos se avendran a un mismo final.

SONIDO
Más allá de una banda sonora atestada de gritos y caos constante, alivianados con pequeñas presencias, el fáctor más importante es la música. En la secuencia hay dos: una música dramática que subraya el estado caótico y apocalíptico del hundimiento. De gran densidad en los instrumentos de orquesta (violines, trompetas, percusión, etc). Tiene una serie de variaciones que se acomodan el tiempo de los planos. Los momentos de apasiguamiento estan en la perspectiva de los botes salvavidas (donde el caos no esta presente). La otra música es contrastante, la canción de redención con el canto del padre nuestro, con un movimiento ascendente de las notas en un unico instrumento, los violines.

Próxima Pelicula - DIP HUET SEUNG HUNG (The Killer) de John Woo

Análisis Nº6 - La Belle et la Bête (1946)

Pelicula de Jean Cocteau, mezcla fantasía y una visión fatalista del amor de manera equilibrada. La escena en cuestion muestra el ingreso de Belle al castillo, su huida, el encuentro con Bête y su posterior regreso en brazos de este. Es un film rico en estética y en ambientación. Adolece por momentos en ritmo pero posee niveles significantes en torno a la figura de la maldición de la Bestia.

ASPECTO FORMAL

La escena se estructura en un cortejo amatorio (y redentor) que se vera frustrado, demostrando la inutilidad de una acción mécanica por parte de la Bestia. Al ser rechazo por el horror de la Bella, la Bestia sufrira fisicamente la imposibilidad de poseer a alguien si esta no esta de acuerdo.
La escena tiene dos partes, un cortejo fantasmal (el mismo castillo la va atrayendo a la cama) que sorprende a la Bella en el momento que se descubre las sabanas de la cama amatoria.
La segunda parte, el cortejo es fisico, la Bestia lleva a la Bella al mismo lugar, recorre todo el mismo trayecto, la recuesta en la cama y fuerza la situación hasta el punto donde es rechazado por segunda vez. Esta vez, el rechazo funciona porque la maldición lastima a la Bestia y se aleja, dejando la secuencia clausurada y proyectada al entendimiento de su imposibilidad en escenas subsiguientes.

MONTAJE

Se da una variedad de recursos técnico, uso de paneo y travellings que se acoplan amablemente con los motivos musicales y sus variaciones. El fondo en infinito negro recortan los pocos elementos y los encuadres se apoyan en el máximo uso que se le pueden dar. Como elemento de contraste, los primeros planos, o las miradas a camara son el encuentro (los dos encuentros) que tienen La Belle y la Bête. Planos en un primer encuentro en Medio y en Primer Plano en el segundo encuentro.

SONIDO

La escena esta apoyada en un motivo musical contrapuesto a otro. El primero motivo es una musica suave y delicada que representa a Belle, la misma se transforma y varia en base a todas las acciones de ingreso y egreso del Castillo. El segundo motivo, sonidos recargados, potentes y graves dan el tono a la Bête. Los mismos, como si fueran una amenaza (la cama) se van dando hasta la aparición de la Bête. Los dos motivos se unen en el momento que Bête lleva a Belle a la cama. El silencio final finiquita la procesión amatoria.

Próxima Pelicula - A NIGHT TO REMEMBER de Roy Ward Baker

Análisis Nº5 - Le Quatre Cents Coups (1959)

Pelicula de François Truffaut, basado en un corto que conformaria un film de episodios, alargado a largometraje. Trata sobre la historia de Antoine Doinel, hijo no querido de una familia disfuncional, que huye, es maltratado y encarcelado. La secuencia en si no es una sola, son tres. Una primera que plantea la vida y característica del Centro de Observación de Jovenes Delincuentes, la segunda, un interrogatorio por parte del psicologo y la tercera, las visitas a Antoine Doinel.

ASPECTO FORMAL

Encierro. Simple y llano encierro. Las secuencias presentan a celadores y presos. Se niega toda figura protectora. Todos los niños estan aislados, solos y desprotegidos. Las figuras que los cuidan son violentos o perjudiciales.
La primer secuencia la cámara sigue a los muchachos, siempre dando la idea de encarcelamiento (muros, ventanas, jaulas, etc). La idea de esta secuencia es tirar por tierra la fantasia del recreo. La clave esta en los niños pequeños que deben ser encerrados y que al final de la secuencia son descubiertos por los adolescentes. Desde ahi vendran maltratos sistematizados para reforzar este mundo (cachetada, persecución psicológica, etc).
La seguna secuencia, la charla, esta pensada (como los planos secuencia o paneos lentos) para que el personaje domine el encuadre, los tiempos y las formas. El protagonismo que destila en el control le da un carácter único y especial. No hay montaje (más allá del fundido) en la escena con la psicóloga; es la actuación de Jean-Pierre Leuade.
La tercera secuencia vemos todo desde el adentro, desde la jaula (ventanas cuadriculadas). Se abre con la entrada del amigo de Antoine y termina con la ida de este en bicicleta.




MONTAJE

Como dije antes, los paneos, travellings y encuadres conjunto permite una fluidez personal del relato en base a las actuaciones y velocidades de los personajes (acordadas y liberadas a la improvisación sutil). No hay grandes composturas ni declamaciones.
La segunda secuencia es lo mismo. Y la tercera secuencia, el montaje se alterna entre un plano de referencia de los adolescentes mirando al pórtico de salida y un encuadre cerrado del amigo de Antoine (desde adentro) para reforzar la perspectiva y la tensión.




SONIDO

Hay una música en la primera escena y la última, no es una suerte de Leit Motive, es más una puntuación que se ha cargado de singificado (la infancia dulce, la infancia perdida, la infancia a secas). La banda sonora esta reforzada por las voces de los adolescentes, es su perspectiva. Más allá de que queden dentro o fuera de cuadro, sus opiniones, sus charlas quedan en primer plano sonoro para resignificar lo que se ve o, por lo menos, encauzar la perspectiva de la mirada del espectador.

Próxima Pelicula - LA BELLE ET LA BÊTE de Jean Cocteau