Análisis Nº13 - The Silence of the Lambs (1991)

Film de Terror / Thriller / Policial / Psicológico. Muy bien realizado, excelente en todos los aspectos. La idea de redención cristiana, sacrificio y expiación de los pecados marca el film. La escena en cuestión es posterior a la revelación de Clarice y su trauma con la muerte de un cordero que quiso salvar y fue sacrificado.

ASPECTO FORMAL / NARRATIVO

La secuencia se alimenta de la revelación de Clarice Starling y nos llevará a una nueva revelación sumamente angustiante y, en el fondo, proyectable para el espectador.
La ayuda del Dr. Hannibal Lecter como terapeuta sobre Clarice provoca nuestra aceptación y simpatía. Pero no nos deja ver la verdadera naturaleza de su ser. Él no sólo revertirá su imagen de benefactor a destructor sino que tomará el símbolo del "cordero Starling" para potenciarse en su carácter negativo/demoníaco como NO-PROTECTOR.
Hannibal Lecter tendrá una preparación en su transformación de protector a no-protector negando tanto al espectador como a los personajes su plan en una mutación (si se quiere ver una analogía con el personaje de Bufallo Bill, sólo que aquí la transformación es espiritual más que física).
Grados de transformación:
1. Hannibal Negado 1: Imagen Hierática
Hannibal se nos presenta tras un biombo traslucido, su voz parsimoniosa, su mirada perdida y una cadencia en sus movimientos lenta no nos permiten anticipar el cambio (más allá de que se nos informa de la treta con las esposas).
2. Hannibal Negado 2: La No Presencia
Hannibal, luego de atacar a los dos policías, se disipa físicamente y pasa a transformarse, por metonimia en objetos para luego corporizarse en el espacio. Pasa de un mal físico dañino a un mal espiritual terrorifico (potenciando su destruccion).
Ejemplos como el ascensor en las manecillas, el ascensor vacío y el cuarto sumamente enviciado de la carcel (luces, humo, etc) dan prueba de esto.
3. Hannibal Negado: La Presencia Falsa
Hannibal se corporiza nuevamente pero nos niega su rostro (antes eran sus pensamietos). La revelación del verdadero rostro tapado, destapado / cubierto, descubierto sintetizan su estrategia y su verdadera intención.
Hasta podría decirse que nunca se lo vé más vivo y sincero que cuando se saca la mascara de piel (asimilandose a Buffalo Bill nuevamente, sólo que con intenciones distintas en su carácter psicópata).

Tema aparte el símbolo de la cena "Costillas de Cordero". Hannibal revierte el valor del símbolo cordero, lo útiliza como medio para escapar, realiza una analogía con cordero/policías y destroza en la psiquís del espectador el carácter redentor del "cordero" para llevarlo a una posición demonizada y condenante (del alma).

MONTAJE / COMPOSICIÓN DE IMAGEN
Hay mucho elementos del montaje /composición de imagen, nombrare algunos elementos significativos en el transcurso de la secuencia:

Posiciones de dominación: la cámara pone a Hannibal en picado, desde la perspectiva de los policias (que tienen el control) mientras está esposado, luego una igualación para terminar el policía en picado con Hannibal dominando (pero su ataque lo vemos en contrapicado porque nos igualamos al policía y sufrimos la responsabilidad de haber confiado).

Policias: los mismos funcionan como elemento catalizador y representante de nuestra angustia. Son nuestros salvadores en la mala elección de simpatizar con Hannibal. Los mismos son presentados individualmente (pero con el mismo valor de miedo) y luego como masa que más que atacar para protegerse los unos a los otros por la incorporeidad de Hannibal.

Terror Psicológico: es por partida doble:
NOSOTROS: los actos de violencia física máxima de Hannibal son hacia la cámara, o sea, hacia nosotros. Perdiendo, obligatoriamente, la posibilidad de adherir a las acciones de Hannibal. Los golpes al segundo policía terminan por producir la desmoralización y subyugación nuestra hacia la figura terrorífica de Hannibal Lecter.
ELLOS: los policias sufren el mismo accionar. La imagen del Angel / Angel de la muerte / Cordero sacrificado del segundo policia frente al escuadrón posee la misma intención. La desmoralización e incapacidad; en este caso, no de simpatizar, sino de atrapar.


MÚSICA / SONIDO

En la escena de la liberación hay un pasaje de la música clásica a la música elaborada de Howard Shore, luego de la matanza, la música clásica nos vuelve a subyugar.
En realidad la música clásica es el telón de buenos modales que tapan al monstruo, cosa que ya conocemos y se carga de un valor negativo, una fantochada que incomoda.
En materia de sonido, lo más notable, es el acompañamiento de un mundo pesado, denso, recargado cuando la patrulla ingresa a la carcel de Lecter.

Próxima Película - MIYAMOTO MUSASHI de Iroshi Inagaki

Análisis Nº12 - This is Spinal Tap (1984)

Film de Rob Reiner, "Rockumentary" como bautiza el mismo al comienzo del film. Falso documental, sobre una banda inglesa inventada para poner en tono de comedia todos los lugares comunes de las bandas de rock, film distinto, innovador y sumamente bien elegido todo el elenco. Verosimil 100%.

Aspectos Formales

La secuencia en cuestión consta de 2 partes. En el estadio de Shank Hall en Milwaukee, Wisconsin se realiza un ensayo y prueba de sonido de la banda Spinal Tap, cuyos líderes son Derek Small (bajo), David St. Hubbins (guitarra y voz) y Nigel Tufnel (guitarra).
Tanto en la primera como la segunda sección hay unas canciones inventadas que se artículan con los hechos de cada parte:

PARTE 1:

No me hagas peder tiempo // Ya sabes lo que quiero // Ya sabes lo que necesito
O quizas no lo sabes // Es que tengo que decirte las cosas detalladamente
Dame Dinero

Luego de esta canción aparece Janine, la novia de David, generadora de discordia y celos con Nigel. La canción hace de alguna manera pase para el elemento de la novia y luego surge la broma de "Smell the Glove", nuevo disco en negro puro de la banda.
Los chistes en vez de estar reforzados y acentuados son dichos al pasar para generar la esponteneidad y sensación de realismo. Por nombrar algunos: el chicle que le pasa Janine a David, el disco negro y la frase de Derek (..."puedo verme en ambos lados"...), etc.
La discusión pone a cada miembro del equipo en posiciones distintas, David en contra, Nigel a favor y Derek en neutro.
El manager da pie a la siguiente parte de la secuencia con ..."it's Time to Kick Ass"...

PARTE 2:

Cuando existia la oscuridad y el vacio reinaba y gobernaba los elementos
Cuando existia el silencio y la quietud era casi ensordecedora.
Del vacío surgio. LA SALVACIÓN. El ritmo, la luz, el sonido. Fue la creación del rock.
Fue una gran explosión. Fue la máxima mutación. El yin en busca del yang.
Él observo y se dio cuenta que era bueno.

La segunda parte es un gran gag donde los integrantes, como medulas dentro de cuerpos salen al escenario menos Derek que queda atrapado y da pie a un contraste entre la música, y ciertas frases o cambios rítmicos para acentuar su aprisionamiento (Salvacion) como de su escape (el martilleo en la sección musical suave).
A fin de cuentas, "it's time to kick ass" pone de manifiesto el tema del film, el rockear por una actitud de vida, aún frente a las adversidades (malos estadios, malas producciones, malas novias, etc, etc).

Montaje / Construcción de Planos

El trabajo de montaje busca hacer creer que todo está grabado. Más allá que en la primera sección es autoreferencial (David informa a Janine de que se está grabando), esta no llega a ser tan falsa como la segunda parte. En la segunda parte supuestamente debería haber 4 cámaras: una lejana, una de izquierda, centro y derecha (que cambian de eje para tomar distintas situaciones). Pero luego aparecen planos desde la bateria o el teclado para refozar los cambios en la composición musical o ayudar a la dinámica de la escena.
Todo es tán constante y rápido que no somos capaces de ver estas trampas, convenientes en la presentación de los elementos. Por decirlo de una manera simple, en un verdadero recital, las cámaras tardarian mucho más en tomar las acciones, lo planos serían mucho más largo y faltarían inserts.

Música / Sonido

Ya habiendo hablado de la música en la sección 1. Lo máximo a detallar es el uso cómico de los sonidos (como el martilleo que choca con la sección suave) o el trabajo de interpretación de David que debe estar representando alguna banda real (a su cantante más precisamente).
Desconozo que estilo de banda o que broma a varios estilos de varias bandas está produciendose en está escena, pero es una combinación mayor a dos seguramente.

Próxima Película - THE SILENCE OF THE LAMBS de Jonathan Demme

Análisis Nº11 - Det Sjunde Inseglet (1957)

Film del sueco Ingmar Bergman. Según el mismo, el film trata sobre la muerte o mejor dicho, le miedo a la muerte y lo subsiguiente. La idea de "¿Existe Dios o no?" enunciada como pregunta nunca tendrá respuesta. Lo importante del film son las posiciones (más abismadas unas que otras) sobre el concepto de lo que es vivir y morir.

Aspecto Formal

La secuencia en cuestión presenta a la caravana donde viajan Jöns, Jof y Mia, la chica, Plog y algun escolta (junto a Antonious Block, bah... creo). Plog se reencuentra con Lisa (ahora autollamada Kunigunda) que se haya en las manos del actor Jonas Skat.
La escena tiene tres tramos diferenciados bajo el mismo eje (dar muerte):
1. Persecución: Plog persigue a Jonas Skat y luego se da una confrontación verbal cómica.
2. Actuación: Jonas Skat decide, para concluir con la lucha, de actuar su propia muerte y así desembarazarse del herrero Plog.
3. Consecuencia: Jonas Skat muere, victima de un error, al subirse a un árbol que caera. Aquí se da una segunda escena que busca ser graciosa pero es sumamente terrorífica.
La secuencia tiene como protagonista a Plog, el resto de los personajes, de una u otra manera acompañar a su situacion. Lisa (Kunigunda) cambia de bando y acompaña (por conveniencia) a Plog, Jöns da letra en la confrontación verbal y anticipa proféticamente todo y Jof es una suerte de espectador que descubre y evidencia la trampa (como también así nosotros).
Plog terminará diciendo que la vida es una locura / asco en referencia a la muerte de una persona por culpa de él.
La última parte la Muerte se encarga de matar al actor Jonas Skat (quien en su primera aparición llevaba una mascara de la muerte). La secuencia posee un tono patético que nos subyuga porque hemos caido en la trampa del director: dejarnos llevar emocionalmente complacidos por una escena de alcohoba y persecución de marido despechado (cómica) para caer en una clarificación desgarradora del destino de un bribón donde la muerte da parte sin la preparación ni espectativa del personaje. Jonas Skat muere frente a nuestros ojos sorprendidos como los nuestros.


Montaje / Composición de Planos

La secuencia abre los planos y cierra según avanza y desarrolla el conflicto:
1. Planos en Paneo en su inicio y luego un Plano fijo con desarrollo interno dando protagonismo a Plog.
2. Planos enteros en la persecución y en el momento del encuentro Planos pecho en Plano y Contraplano confrontativo.
3. Plano entero dispersador del conflicto y luego planos americanos de frente diferenciando bandos sin tener carácter confrontativo.
4. Los planos de Jonas Skat y la muerte renuevan la posicion de Plano pecho confrontado en un arriba y abajo. En este punto un elemento de interes: no se da el plano y contraplano confrontativo hasta que Jonas Skat es consciente de que alguien esta cortando el árbol, este mira y en un primer momento no encuentra rechazo a la situación.

Sonido / Música

Hay 3 elementos sonoros con valor narrativo:
1. El Grito Negado: hondo, angustiante; la negación de la voz en su último hálito, la negación de la vida.
2. Puntuación musical final: una ironía de la vida. Sumamente incomodo. La ironía está en la muerte de un ser que entiende de su propia muerte y el animal (ardilla) que se posa en el árbol talado desonocedor de las ideas y conceptos de vida y muerte. Esto hace más inentendible el dolor.
3. La canción del pajarillo ..."Yo soy un pajarito que vuela a donde quiere libremente" ironía nuevamente, reforzando la idea anterior. Pajaro = animal / Humano negado, libre de morir.

Próxima Película - THIS IS SPINAL TAP de Rob Reiner

Análisis Nº10 - Walkabout (1971)

Secuencia independiente (relativamente) de Walkabout de Nicolas Roeg. Film bastante experimental, se podria decir que esta encuadrada en el género de Road Movie, pero me parece que supera esta estructura y se llega a un film de tintes existenciales donde el mismo dialoga consigo mismo de manera aleatoria. Excelente film, único.

ASPECTO FORMAL
La secuencia en cuestión viene a construir, casi fuera del film, el tema del mismo: la perdida de la infancia y la entrada al mundo adulto (el propio, el experimentado en el cuerpo). 3 personajes, La Chica, el chico y el cazador Gulpilil; cada uno, a su manera inciara su construcción adulta.
La escena nos muestra el deseo (en un comienzo limitado y luego iniciado) del Chico, la entrega (sexual y corporal de la mujer en su adultez) y la confirmación (de la adultez de Gulpilil).
INTRO: La chica se baña desnuda y la observa el niño, imposibilitado del mundo sexual por ahora. Comenzará el proceso de maduración como Gulpilil.
PARTE 1: Montaje Alternado para remarcar las asociaciones y contrastes de los deseos de los personajes. Gulpilil caza un pescado, la chica se baña (asociacion sexual, fuerza del hombre, belleza y gracia de la mujer). Gulpilil casa un ave, el niño falla (asociación por parentezco, Gulpilil le enseñará al chico).
PASAJE: la chica se baña largamente
PARTE 2: Gulpili realiza toma de fruta, caza de murcielago, lagarto y canguro, hace un fuego, etc. Por otro lado La Chica nos enseña su sexo y la sexualidad queda completamente plasmada. La relacion de planos es única y por lo tanto es una parte de la secuencia sumamente clara que profundiza el tema.
PARTE 3: La chica se viste, se observa en el propio reflejo, es dueña de su imagen (no como al comienzo que era construida por el chico). El chico a su vez escarba en el barro junto a Gulpili reforzando su entrada en el mundo de la magia y el misterio (sexual).
FINAL: el lagarto simbolo de la carne/sexualidad/animalidad/adultez.

MONTAJE
PRIMERA PARTE: Plano Ascendente donde se construye a la chica objeto y sujeto al chico (su vision). Plano fijo reforzando esta subordinación. Los planos abiertos de Gulpili le dan el carácter de sujeto actante y los planos cerrados de Chica y Chico subordinación a la acción de Gulpili y el valor de lo que hace influye (en un tono sexual y en un tono de iniciación).
SEGUNDA PARTE: los planos se cierran tanto para Gulpili como la chica. Se alternan el Objeto y el Sujeto. Dado que toman valores intercambiables (sexo - comida / fuego - espera sexual). Ambos tienen valores activos y pasivos porque es un montaje amatorio.
TERCERA PARTE: plano ascendente de la chica, se construye y se rencuentra a si misma. Pierda carácter de objeto y se entroniza como puro sujeto. Control sobre si mismo y la situacion. Por otro lado un plano abierto para Gulpili y el chico, ambos en el mismo tono de aprendizaje (tampoco hay subordinación).
FINAL: el plano travelling en retroceso del lagarto, catalizador del concepto de sensualidad/sexualidad y realización misteriosa y erótica de la secuencia. Lo refuerza.

SONIDO
La música tiene una serie de valores como la tranquilidad, la amabilidad, lo hermoso, lo parsimonioso. Está conformado por violines, algunos instrumentos de percusión y no mucho más. Tal vez algun sintetizador. La intención es obligar al espectador a estacionar todo a un contexto fuera de la acciones que se ven para trascenderlo a un valor más abstracto como el simbolo del lagarto. Lagarto y música se van recargando de valores por la reiterción de la asociación de sexo, caza y aprendizaje.
La estructura es tan constante que la celula de la canción tán solo tiene A, A', A'' en la primera, segunda y tercera parte. Esa constancia permite la absorción obligatoria y hipnótica de la idea.
En materia de sonido, están reforzados los que se relacionan con los personajes y sus conflictos:
rayo: magia / Golpes: caza de Gulpilil / Agua: chica / Lagarto: sexualidad.


Próxima Pelicula - DET SJUNDE INSEGLET - Ingmar Bergman

Análisis Nº9 - Lat Sau San Taam (Hard Boiled)

Bueno... despues de varios meses termino la otra pelicula de John Woo. Parecida a la anterior, con variantes o profundizaciones estéticas en las secuencias de acción. Se sigue la formula del protagonismo dual de dos personajes positivos en ambos bandos de la ley y el crimen.

ASPECTO FORMAL

La secuencia en cuestión tiene una infinidad de elementos a desarrollar. Me centrare únicamente en las 3 escenas que confieren un mismo tema.
Escena 1 - La Perdida de la Inocencia: el Inspector "Tequila" Yuen acaba de encontrar un bebe. Le pone unos algodones para que no oiga los disparos y lo acobija bajo su brazo. La intención de "Tequila" es evitar al bebe el contacto con la maldad. Progresivamente Tequila se enfrenta a los sicarios del mafioso, toda la escena de balacera se centra en el elemento simbólico de la sangre. "Tequila" quiere evitar la perdida de la sangre del niño y por ello, como contrapartida, provoca la perdida de sangre de los maleantes. Progresivamente la sangre se acerca al Inspector y al bebe: primero sangre tras el vidrio, luego traspasado el vidrio, hasta llegar a recibir un disparo y manchar al niño con la sangre. La idea de manchar está tomada como un lazo de contención, de amistad, de protección.
Escena 2 - La Perdida de la Maldad: Tony, el policia encubierto, se enfrenta al sicario Tuerto, gran Killer durante todo el film. El cambio, como en la anterior escena, es la unión. Separados por bandos, ambos tienen un mismo ideal: los civiles quedan fuera de la contienda. Por ella detienen la balacera. Gran resolucion DINÁMICA entre escena anterior (acción) con esta (inacción). El Tuerto se enfrenta a su jefe, negando el estilo de vida a cualquier precio y es asesinado.
Hay un paralelismo aqui: Tequila recibe un tiro para proteger al bebe y el Jefe Mafioso recibe un tiro por no proteger a los enfermos. Es un espejo deformado que concluye con la muerte ciertamente patética del Tuerto y la huida de To ny del campo de batalla.
Escena 3 - La Retribución del Inocente: Luego de la tensión por el uso de la bomba. Tequila debe huir con el bebe. Toma un cable y quiere saltar por una ventana. Sus pantalones se prenden fuego y el bebe se orina y apaga el pequeño incendio. Con esta resolución se reafirma la idea de la perdida de la inocencia; el bebe es conciente, de alguna manera (fantástica, humorista o introspectiva) que debe ayudar a su protector frente al caos reinante. Tiene un carácter de comic relef luego de dos escenas muy emocionalmente densas, que daran camino a la secuenci final de sacrificio de Tony. Concluye asi toda la secuencia de transformación de los personajes frente al sacrificio de los inocentes o para el inocente.

MONTAJE

Slow Motion y Velocidad (sin caer en Fast Motion); una coreografia de lento y rápido en la balacera. En la toma de decisiones, huidas, explosiones; todo con el fin de aumentar el impacto visual o emocional. Ciertos encuadres congelan la dinámica para centrar la atención las transformaciones de los conflictos internos de los personajes, planos cerrados de las miradas, gritos o dialogos de "Tequila" con Tony. El resto es un aquelarre bien orquestado de acción, tiros y explosiones.

SONIDO

Más allá de las puntuaciones musicales de suspenso por las bombas o la huida de "Tequila" con el bebe en el incendio. Junto con la musica incidental de flautas e instrumentos sintétizados para darle carácter infantil a la escena del bebe, produciendo una anempatía con el espacio y reforzando el especio de protección del brazo de "Tequila".
Fuera de ello la banda sonora se ma neja con un espacio constantemente en estado aletargado de bullicio destructivo. Se afianza y se minimiza con la música y los diálogos. Este aplanamiento del mundo permite centrar más la historia en una coreografía dramática y en un conflicto interno de "Tequila" principalmente. O sea, menos es más.

Próxima Pelicula - WALKABOUT de Nicolas Roeg

Análisis Nº8 - Dip Huet Seung Hung (The Killer)

Pelicula de Hong Kong, de director John Woo. Siento que este tipo de cine, accion, mafias orientales, etc, no es mi fuerte. Tampoco he disfrutado mucho del film. Asi que el análisis será más que formal.

ASPECTO FORMAL

En la secuencia se trabaja la idea homoerótica entre Ah Jong (Chow Yun Fat) y Li Ying (Danny Lee). De fondo quedan los personajes de Jennie, la novia ciega de Ah Jong y el compañero de Li Ying.

Primera parte: escena romántica bastante previsible de Jong con Jennie que hablan del mar como escapatoria.

Segunda parte: el encuentro. Sumamente amatorio. Donde ambos personajes se miden con sus pistolas y la tensión entre ambos estan buscada. El resto de la escena es un slap stick suave y continuo. Coreografia entre los contricantes, ayudados y perjudicados por sus respectivos aliados.

Tecera parte: la persecución. Corta. Da el punto con una pequeña alegoría de Li Ying con las palomas (angel protector). Y Ah Jong en una postura más fantasmal.

MONTAJE

La primera parte va y viene en fundidos suaves dado el tenor romántico de la escena. La segunda parte una variacion entre Planos enteros contenedores de los 3 personajes, a planos cerrados del enfrentamiento más emocional que físico entre ambos. Acompañados por algun travelling para resolver movimientos entre si sin perjudicar el equilibrio de fuerzas. El resto alternancia de planos de dos acciones, la persecucion entre ellos y la maniobra del compañero.

SONIDO

El sonido no tiene un gran trabajo esta vez. Hay 3 músicas. Las 3 resaltan el carácter de la secuencia. La primera es de corte romántico, simple y llano. La segunda tambien es de corte romántico que evidencia el contenido homoerótico de la secuencia. La tercera es empática con la persecución y el peligro del asesino serial.

Pd: la verdad que este tipo de peliculas no me movilizan para trabajarlas en profundidad. Sé que en el film hay una conección entre ambos personajes entre los elemenos parecidos y contrarios. Redención y sentido de la justicia, etc, etc. Pero la verdad se sientan muy vacíos de sentido profundo. El alarde de la violencia y las secuencias de acción es lo más elogiable del film. Y para mi, lo menos interesante. Encima me queda una más...

Próxima Película - LAT SAU SAN TAAN (Hard Boiled) de John Woo

Análisis Nº7 - A Night to Remember (1958)

Film sobre el Titanic de Roy Baker. Del género de catástrofe y recreación de época. En esta pelicula el punto de vista esta diversificado, es protagonista es el conjunto de personajes de distinta clase social y sexo. Todos se avienen a una igualación frente al siniestro.

ASPECTO FORMAL
Se construye la secuencia desde el ASCENSO de las personas a la punta del bote hasta la CAÍDA de los mismos con el hundimiento del Titanic. Está estructurado en 4 partes, cortadas por deterioros del barco: primero se corta la luz, luego se hunde, luego cae la chimenea y se hunde del todo. El estado desesperante de la secuencia muestra un grado de agresividad en la superviviencia que deviene en un escape del barco transformado en asesino. Desde los ascenso en escalada hasta la superposicion de caidas al agua se muestra en un tour de force emotivo la transformación. La transformacion estará en detener la violencia y el daño en el progimo y tomar una postura de redención o sacrificio con la consiguiente caida al agua.

MONTAJE
Como hay aqui un tema principal y una serie de tramas secundarias. La perspectiva de los personajes se entrecruzan constantemente. Los planos son concisos y puntuales. Personajes con 1 unico trazo que se presentan y ceden el lugar al siguiente. Los planos en travelling o zoom in serán para el canto donde todos se avendran a un mismo final.

SONIDO
Más allá de una banda sonora atestada de gritos y caos constante, alivianados con pequeñas presencias, el fáctor más importante es la música. En la secuencia hay dos: una música dramática que subraya el estado caótico y apocalíptico del hundimiento. De gran densidad en los instrumentos de orquesta (violines, trompetas, percusión, etc). Tiene una serie de variaciones que se acomodan el tiempo de los planos. Los momentos de apasiguamiento estan en la perspectiva de los botes salvavidas (donde el caos no esta presente). La otra música es contrastante, la canción de redención con el canto del padre nuestro, con un movimiento ascendente de las notas en un unico instrumento, los violines.

Próxima Pelicula - DIP HUET SEUNG HUNG (The Killer) de John Woo